Compte rendu de la 2e séance du séminaire “Pratiques du multiple et logiques hétérogènes”

Séance 2 : Esthétique de la dérive, modèle du labyrinthe

AUTEURS : KEVIN GOHON, Justine Prince ET GAËLLE DEBEAUX

La deuxième séance du séminaire de recherche associé au programme Pratiques du multiple et logiques hétérogènes a pris comme point de départ la question du labyrinthe, image centrale pour penser le multiple dans la période qui nous intéresse. Justine Prince, co-responsable du séminaire, avait d’ailleurs présenté lors de la journée d’étude du 3 octobre 2019 une communication explorant « quelques œuvres labyrinthiques » : c’est elle qui a pris en charge l’introduction de cette séance de séminaire, en rappelant les enjeux et tensions au cœur de la figure du labyrinthe. Ainsi, elle a rappelé que le labyrinthe se caractérise par un paradoxe, entre ivresse de l’égarement et construction méthodique, permettant l’insertion de la complexité au sein d’une structure achevée : le labyrinthe se donne alors comme une sorte de modélisation des enjeux de la multiplicité.

L’invité de cette deuxième séance, Thierry Davila, est conservateur chargé des publications au MAMCO1. Sa présentation, prenant appui sur la parution récente de Gordon Matta-Clark – Open House, a mis en avant le travail du plasticien américain né en 1943 et décédé en 1978 : Gordon Matta-Clark est un artiste plasticien, architecte de formation, qui met en avant dans son travail l’usure et les déchets, et c’est ce qui le conduira à produire Open House, seule œuvre véritablement labyrinthique de sa production mais semblant synthétiser à elle seule tous les enjeux du geste artistique porté par Gordon Matta-Clark.

Thierry Davila, dans une communication richement illustrée, nous propose un véritable parcours dans l’œuvre de l’artiste américain, en commençant par Hair, cet autoportrait de l’artiste en Méduse : comment comprendre la fascination qu’il exerce encore sur son public ? Ce qui caractérise le travail de Gordon Matta-Clark est l’usage du déchet, appréhendé comme une valeur heuristique dans une perspective bas-matérialiste. Tout en suivant des études d’architecture, Gordon Matta-Clark s’ingéniera ainsi toute sa vie à ne pas construire de maison, mais à explorer et exploiter les constructions existantes, et en particulier les bâtisses désaffectées afin de ne pas ajouter de la matière au monde, dans un geste écologiste avant l’heure. Plusieurs exemples peuvent être convoqués à l’appui de cet usage du déchet, c’est-à-dire cette utilisation de bâtiments désaffectés, abandonnés, qui n’ont plus d’utilité à faire valoir et qui sont en déshérence :Bronx Floors (1972-1973) : le geste de Gordon Matta-Clark consiste à traiter plastiquement une architecture ou à traiter architecturalement un volume déjà structural, afin d’introduire de la complexité2 dans quelque chose qui serait platement destiné à disparaître de la surface de la terre. Les outils de travail sont simples : c’est avec son corps, avec ses mains, avec son énergie physique qu’il travaille.

  • Splitting (1974) : Thierry Davila décrit l’action de Gordon Matta-Clark, venant couper littéralement une maison en deux, comme un « geste analytique », un « coup de sonde essentiel » ou un « couperet d’inspecteur aux yeux aiguisés ». Ce geste serait à replacer dans une histoire de la forme ready-made, toujours déjà là : celui-ci chercherait à déconstruire pour développer du sens et introduire de la complexité ou de la multiplicité dans un donné qui paraît banal, non remarquable et destiné à être ignoré. Thierry Davila note que le rendu de ces interventions peut être photographique, filmique ou même un livre édité : cela sort l’œuvre de Gordon Matta-Clark de la spécificité moderniste où chaque domaine, chaque discipline doit approfondir les constituantes de sa propre identité. Au contraire, l’artiste va vers d’autres pratiques, dans un éclatement des barrières catégorielles pour complexifier la visibilité et le rendu plasticien de l’intervention initiale.
  • Bingo (1974) : il s’agit d’une œuvre qui reproduit les 9 cases du bingo sur la façade d’une maison ouverte. Sculpture, architecture et peinture sont associées dans le geste de création, permettant la mise en évidence d’un monochrome au sein de quelque chose qui n’a aucune qualité a priori (au sein d’un monument négatif). Thierry Davila rappelle que, quelques jours à peine après l’intervention de Gordon Matta-Clark, la maison est détruite et jetée dans une rivière : l’intervention de l’artiste se situe dans l’interstice entre la désaffection et la destruction.
  • Day’s End (1975) : il s’agit d’une découpe dans un hangar en déshérence, qui laisse entrer la lumière du soleil. Si le bâtiment en lui-même est voué à la disparition, le travail de l’artiste en prolonge l’expérience par le biais de photographies ou de films : Gordon Matta-Clark s’autorise ainsi à traiter plastiquement ce qui pourrait être de l’ordre de l’archive ou du compte rendu.
  • Conical Intersect (1975) : pendant la biennale de Paris, pendant que le Centre Pompidou était en construction, Gordon Matta-Clark intervient pour faire un percement, avec pour point de départ le film Line Describing a Cone d’Anthony McCall. Là encore, l’enjeu consiste à complexifier les relations entre film, photo, sculpture, architecture pour produire un sens nouveau, un nouveau regard sur ce qu’il y a autour de nous.

La question que pose Thierry Davila est celle de savoir pourquoi Gordon Matta-Clark utilise le déclassé. Il s’agirait, pour notre invité, de s’accommoder d’une certaine forme de pauvreté du geste, synonyme de la pauvreté réelle de l’artiste. C’est en définitive un geste plastique : Gordon Matta-Clark a décidé dès ses études d’architecture de ne pas construire de maison, mais plutôt de déconstruire des maisons. Le geste traduit donc un refus d’édifier des bâtiments : il s’agit de couper, trouer, trancher ce qui est de l’ordre de l’architecture. Faire de l’architecture sans bâtir, selon les configurations de chaque cas qui s’offre à l’artiste, dans une logique situationniste. Disséquer une architecture désaffectée est plus simple, aisé, réaliste que s’attaquer à des bâtiments tout neufs. L’œuvre produite est ainsi éminemment matérialiste en ce qu’elle repose sur le fait de ne rien ajouter à l’ordre matériel du monde. En ce sens, Gordon Matta-Clark proposerait une nouvelle « matériologie » en utilisant le déchet : sans ajouter à l’ordre matériel du monde, il étend le champ de notre perception de ce dernier grâce à cela.

Mais Thierry Davila montre que Gordon Matta-Clark produit également un autre usage du déchet, consistant à prendre les déchets avec soi (de toutes sortes, mais principalement de construction) et de les manipuler pour en faire des éléments d’une nouvelle architecture :

  • Garbage Wall (1970) : cette œuvre constitue pour Thierry Davila un geste déclaratif ; ce qui intéresse l’artiste est l’utilisation d’une matière qui n’a jamais été utilisée par des architectes avant lui : ce qu’on trouve dans les poubelles.
  • Winter Garden (1971) : l’œuvre se présente comme un empilement de bouteilles, et elle augmente de taille à mesure de l’empilement des déchets. Plus l’artiste amasse des déchets, plus l’œuvre réfracte la lumière. Plus les déchets sont nombreux, plus l’effet artistique est grand.
  • Jacks (1971) : Gordon Matta-Clark utilise des déchets pour construire une demeure. La maison n’est jamais quelque chose de triomphant, jamais une construction pérenne.

Ces créations relèvent de ce que Thierry Davila nomme une critique matérialiste faite à l’architecture et la sculpture classique, et à leur usage des matières nobles. L’artiste s’intéresse à ce que rejette la société de consommation, et utilise le revers du monde pour créer, dans un geste par essence éphémère, circonscrit matériellement et spatialement vouant l’œuvre à retourner au statut de déchet. Les déchets font partie du monde et si on veut faire quelque chose avec et dans le monde on doit les utiliser pour faire partie un tant soit peu du monde. Les déchets sont un des visages de la valeur d’usage du monde. Pour autant, Gordon Matta-Clark n’est pas un artiste de la réification du quotidien. Il reste même attaché à une approche occidentale de l’œuvre et de la production artistique : c’est dans le travail de déconstruction et de déformation du déchet qu’il tire son matériau, dans une démarche finalement similaire à celle de Pierre Schaeffer et de sa musique concrète.

La création d’Open House en 1972, cette fameuse œuvre labyrinthique de Gordon Matta-Clark, s’inscrit comme synthèse des deux gestes de l’artiste face au déchet : à la fois exploiter une certaine forme d’enveloppe habitable préexistante (un container) et réutiliser des rebus pour la transformer. L’œuvre ainsi créée (un labyrinthe de portes et de murs en matériaux de récupération au sein d’un container recevant des déchets de construction) a été d’abord (ex)posée dans les rues de New York, ouverte aux passant.es, entre le 98 et le 112 de la Green Street, visible entre le 19 et le 21 mai 1972. Elle sera recréée en octobre 1972 devant le 112 Green Street, sous le titre Dumpster Duplex (un étage est installé, sur lequel est disposé un barbecue). Open House dans ses deux états, partant du déchet et utilisant le déchet, se donne alors comme une réorganisation du détritus, une réactivation du déchet : la nature de l’expérience est celle de la circulation labyrinthique dans une poubelle. La spécificité de ce labyrinthe en miniature est qu’il est doté de neuf portes qui se referment mécaniquement quand on les pousse et qui rythment le déplacement dans la poubelle.

Thierry Davila propose une analyse de l’œuvre en plusieurs traits :

  • Il s’agit d’une œuvre contextuelle et non pas une œuvre in situ : elle peut être bougée dans une autre rue de SoHo (elle n’est pas liée de manière ombilicale au site qui l’a vue naître), elle est aussi conçue comme une réponse à un contexte donné, la ville de New York au début des années 1970. SoHo à l’époque est un îlot insalubre avec de nombreuses personnes sans-abris. A cette condition première s’ajoute la crise des déchets de la ville de New York.
  • L’œuvre originale n’existe pas / plus car celle qui a été exposée les trois premiers jours a été détruite, est partie dans les poubelles de la ville de New York. C’est lors de la première rétrospective consacrée à Gordon Matta-Clark en 1985, que le container a été recréé : l’œuvre exposée au MAMCO est ainsi une réplique.
  • Le labyrinthe a une dimension sonore. L’expérimentation de la pièce était accompagnée de la diffusion d’un enregistrement audio par Ted Grinwald des bruits de la ville. Par ailleurs, l’expérimentation de ce labyrinthe fait du bruit et produit même un certain vacarme (les portes se refermant mécaniquement derrière celle ou celui qui referme les portes). La poubelle devient objet sonore.
  • Le labyrinthe possède neuf portes qui rythment le développement de la marche à l’intérieur de la boîte. La progression est rendue très énigmatique et un peu affolante pour de jeunes enfants : l’expérience vécue est celle d’une accentuation de la cécité imposée par le labyrinthe en général.
  • L’œuvre est un système de circulation en soi car on marche, on se déplace dans sa construction bricolée ; c’est aussi un système qui s’insère dans un système de circulation plus vaste qui est celui de la ville de New York. C’est en marchant dans la ville voire en dérivant dans SoHo qu’on peut tomber sur l’œuvre et marcher dans l’œuvre. L’œuvre se transformerait en nœud de circulation au sein de la ville de New York qui est elle-même un nœud de circulation.
  • Il s’agit d’un labyrinthe éphémère, un non-monument ou un anti-monument qui défie la durée habituelle de l’architecture en général.
  • C’est , enfin, un espace performatif qui a accueilli une danse-performance le jour du vernissage (par la troupe de Trisha Brown). Open House est un espace qui a besoin d’être habité, peuplé, traversé, qui n’est pas fait pour être regardé et compris mais pour être expérimenté, vécu : un lieu à vivre. Au cœur du labyrinthe se situe donc une dimension ludique, un jeu avec le quotidien, le misérable, le déchet, la culture capitaliste. C’est un jeu collectif : réorganiser le déchet pour le rendre temporairement habitable ou utilisable pour jouer avec lui.

Ainsi le travail de Gordon Matta-Clark en ces années 1970 serait fondamentalement non moderne : à la page blanche des avant-gardismes, l’artiste préfère la ville comme palimpseste et les visages du monde tels qu’ils existent autour de lui pour inventer des disruptions. Il s’agit de mettre en œuvre une archéologie vivante par le geste de réanimation plasticienne du rebus. Gordon Matta-Clark aura à sa manière et avec ses outils réactivé la figure benjaminienne de l’historien chiffonnier animé par la tentative de « fixer l’image de l’histoire dans les humbles cristallisations de l’existence, dans ses déchets pour ainsi dire ».  

  1. Historien de l’art et philosophe de formation, Thierry Davila est conservateur chargé des publications au MAMCO de Genève, pour lequel il a édité de nombreux ouvrages (monographies, livres d’artistes, essais). Spécialiste d’art contemporain, il s’intéresse particulièrement au rôle du déplacement, tant au cœur du processus de création des artistes actuels (Marcher, Créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l’art de la fin du XXe siècle, Paris, Éd. du Regard, 2002), que de manière réflexive au sein du monde de l’art (In extremis. Essai sur l’art et ses déterritorialisations depuis 1960, Bruxelles, La Lettre volée, 2009). Il travaille également sur l’infime et les œuvres presque invisibles (De l’inframince. Brève histoire de l’imperceptible de Marcel Duchamp à nos jours, Paris, Éd. du Regard, 2010). []
  2. Thierry Davila propose de distinguer la complexification, productrice de sens en tant qu’enrichissement par la prolifération, et la complication, dont la surcharge serait stérile []

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